5 marzo 2024
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5 marzo 2024

Nombres propios para entender el arte de la fotografía

El paso del blanco y negro al color, el flash o el fotoperiodismo marcan la trayectoria de artistas consagrados del siglo XX

En la historia de la fotografía, se considera que la primera imagen oficial se hizo en 1826. Su creador fue el francés Joseph Niépce que la consiguió a través de una cámara oscura. Hacía siglos que se intentaba algo parecido y por ello es considerado el padre de la fotografía. La imagen lleva por nombre Vista desde la ventana en Le Gras porque mostraba la vista desde su casa. Para poder fijar la imagen necesitó hasta ocho horas de exposición.

Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados. Foto: Dominio Público / Wikipedia

Después de trabajar directamente con Niépce, el pintor y escenógrafo francés Louis Daguerre desarrolló la que es considerada la primera cámara fotográfica de la historia. El siglo XIX sirvió para ver cómo nacía la fotografía y, sobre todo, cómo se iba perfeccionando poco a poco. Desde entonces, la fotografía ha pasado por diferentes etapas. 

Sin duda, el siglo XX revolucionó la fotografía hasta convertirla en un arte. La llegada del color, del flash, pasar de la instantánea a la foto digital… Todo ha evolucionado la técnica de la fotografía, pero también la manera de entenderla. El concepto de la imagen, la expresión individual de cada artista, ha hecho que pueda comprenderse este arte a través de nombres propios. 

A lo largo de la historia, diferentes fotógrafos han sabido reconocer las posibilidades artísticas y las capacidades expresivas. Por tanto, conocer la trayectoria de estos profesionales ayuda a entender el arte de la fotografía, utilizarla para comprender el mundo que nos rodea y formarnos una opinión sobre él. 

William Eggleston: el padre de la fotografía a color

William Eggleston (Memphis, 1939) está considerado el padre de la fotografía a color, ya que logró un gran reconocimiento en galerías de arte y museos durante la década de los 70. En aquel momento, el color estaba asociado a la publicidad y no a la fotografía como expresión artística. 

Eggleston tuvo una gran influencia del estilo de grandes nombres de la historia de la fotografía como Henri Cartier-Bresson y su instante decisivo. Se refería al momento más significativo, aquel instante preciso en que el sujeto de la fotografía debe ser retratado. También recibió influencias de Robert Frank (uno de los más influyentes del siglo XX por su lenguaje libre y evocador) o de Eugène Atget (conocido por sus imágenes de escenas callejeras y de arquitectura). 

El fotógrafo americano empezó con fotografías en blanco y negro de los suburbios de Memphis (la parte de su obra menos conocida), pero más tarde sus imágenes principales retratarían escenas o momentos cotidianos: zapatos viejos, congeladores con comida, el interior de un baño, las piernas de una mujer, un cartel de carretera… 

Consuelo Kanaga: retrato de las desigualdades sociales

Mostrar a través de la fotografía aquello que está sucediendo tanto cerca como lejos de casa y, así, hacer reflexionar a aquel que la observa, ha convertido el fotoperiodismo en un arte reconocido en el mundo. Consuelo Kanaga (Oregon, 1894 – Nueva York, 1976) fue una de las pioneras de este ámbito de la fotografía por capturar los conflictos sociales de su época. Retrató la pobreza urbana, la lucha por los derechos de los trabajadores, el terror racial y la desigualdad social, entre otros.

Comenzó trabajando para el periódico San Francisco Chronicle en 1915, donde aprendió las técnicas fotográficas. En 1938 se unió a la cooperativa de fotógrafos Photo League de Nueva York, fundada dos años antes con el objeto de abanderar causas sociales y artísticas

Los trabajos de Consuelo Kanaga más conocidos son aquellos en los que reflejó un compromiso firme por los derechos civiles, en especial por los de la población afroamericana. En 1955 mostró parte de sus obras en el Museo de Arte Moderno de Nueva York a través de la exposición La familia del hombre, organizada por Edward Steichen.

Louis Stettner: la belleza de la gente corriente

Louis Stettner (Nueva York, 1922 – Saint-Ouen, Francia, 2016) fue otro fotógrafo destacado del siglo XX. Fue muy aclamado por su visión de la humanidad a través de la belleza de las personas comunes, así como la celebración de la vida cotidiana

Stettner incorpora un estilo muy personal a la fotografía de calle estadounidense y la fotografía humanista francesa. Su experiencia como fotógrafo de combate durante la Segunda Guerra Mundial fue decisiva en su vida, ya que le llevó a desarrollar una creencia profunda en la humanidad.

Se formó en la escuela neoyorquina de la Photo League antes de trasladarse a París en 1947.  A través de las instantáneas de Stettner, el espectador puede acceder tanto a entornos urbanos casi vacíos hasta bulliciosas escenas del metro de Nueva York, la rutina de trabajadores y obreros o los paisajes montañosos del macizo francés de los Alpilles (el mismo paisaje que pintó Van Gogh). 


Para conocer la obra y vida de fotógrafos del siglo XX existen muchas exposiciones fotográficas que pueden servirnos como fuente de información. El Centro de Fotografía KBr de la Fundación MAPFRE acogerá durante este curso 2023-2024 una exposición sobre Eggleston, Kanaga y Stettner. 

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